lunes, 20 de noviembre de 2017

DICK TRACY


       DICK TRACY(1990)
De primeras tengo que reconocer que este es un film al que le tengo mucho cariño. Recuerdo ir a verla al cine (trece años que tenía uno), y salir queriendo tener una gabardina amarilla para lucirla en clase. Bueno, sueños aparte. Estamos ante una adaptación de las tiras cómicas que se empezaron a publicar en los periódicos estadounidenses en 1931. Fue obra de Chester Gould. Que narraba las peripecias de un detective contra el crimen. También fue adaptado a un serial de radio y televisión. Y llevado a la pantalla grande en 1945. Pero hoy toca hablar de su estreno cinematográfico de 1990. Todo empezó bastante tiempo atrás, cerca de 15 años antes. Warren Beatty quería llevarla a la pantalla, (era un fan acérrimo de las historias del personaje). El guión llevaba pululando por Hollywood durante bastante tiempo. Incluyendo posibles directores como John Landis o Spielberg. Finalmente Beatty llegó a un acuerdo con Disney. El proyecto arrancó ya con todos los cabos bien atados. No sin antes haberse oído rumores de que el personaje de Tracy podría ser interpretado por Harrison Ford, Clint Eastwood o Mel Gibson. Pero cuando el acuerdo se había cerrado, ya el personaje se lo había adjudicado el propio Beatty. La Disney le hizo firmar un presupuesto de 27 millones. Que al final se disparó a 47. 
Lo mejor de film para mi es su puesta en escena. Esas calles, el vestuario, la fotografía. Incluyendo la banda sonora que realiza Danny Elfman. Muy superior al resto de todo lo vemos en el film. El reparto es tan majestuoso como desaprovechado. Tener en una misma película a James Caan, Al Pacino, Paul Sorvino, Dustin Hoffman. Junto al propio Warren Beatty. Y no sacar partido de ello, es casi un sacrilegio. Culpa de ello sin duda su director, en este caso Beatty. Nombrar que Madonna se hizo con el papel de femme fatal por lo que todos sabemos. Y era su relación sentimental con Beatty. Y sin duda es una pésima actuación. 

Con todo esos ingredientes tenemos un film que resulta en general un acierto. La caracterización de los villanos es muy acertada. Y se asemeja a las viñetas de aquella época. Quizás el film en alguno se les ha ido la mano en la exageración de su caracterización. Pero bueno, no daña el resultado. Para mi lo mejor es la actuación de Al Pacino. Cierto que sobreactua de forma exagerada, pero no daña el calado del personaje. Y en contrapartida tenemos a un soso Warren Beatty. Su actuación es plana, sin alma y sosa a más no poder. Uno de los mejores con Al Pacino es el "chico"(en claro homenaje a Chaplin). Con su actuación de niño problemático e indigente. Con esa muletilla que repite por todo el film "cuando comemos". El ritmo es algo irregular, y lastra el aún más pobre guión. 
Para el film Disney se gastó bastante en publicidad, creando muchos carteles de sus diferentes personajes.

Madonna también grabó un disco que hace de banda sonora en sus secuencias de cabaret. Y que personalmente me gusta. Se tituló "I´m breathless". Con todo creo que el tiempo no la ha dañado mucho. Siendo una película que se disfruta agradablemente. Al final llegó a recaudar unos 168 millones de dólares. Es la película como director de mejor recaudación dirigida por Beatty. 
Puntuación general: 6.5/10

domingo, 19 de noviembre de 2017

ELVIS Y SU CARA B "Edge of reality"


Un domingo más el Rey nos viene a visitar. Hoy con el tema "EDGE OF REALITY", grabado el 7 de marzo de 1968 en los Western Recorders en Hollywood. Este tema salió como cara B en el single "If i can dream". Pero era otra cara A, así que también fue publicada. Pertenece a la banda sonora del film "Live a little, love a little" de 1968. Canción de pop orquestal donde ELVIS canta a medio gas la verdad. Con unos coros que suben el tema. Buena canción a secas. Escrita por Bernie Baum, Bill Giant y Florence Kaye. No se que tiene el Rey, que hasta estos temas menores, suenan mejor que la mayoría. 

viernes, 17 de noviembre de 2017

THE CURE "The head on the door"

Con esta banda paso periodos donde me dejo llevar durante días oyendo sus discos. Junto a periodos donde ni me acuerdo de ellos. THE CURE son un ente en si mismo, por lo menos yo los veo así. Un grupo que ha sobrevivido a modas y vaivenes de todo tipo. Para este "The head on the door" volvió el bajista Simon Gallup(expulsado en 1982 tras pelearse con Robert Smith). Y un nuevo batería llamado Boris Williams. Si el grupo ya había dejado una propuesta musicalmente más accesible con su disco anterior The Top. Con este álbum tres años después se despoja casi por completo de su aura fatalista. Abrazando el pop de forma clara. Todo sin perder su personalidad como banda. Cosa que como hemos visto muchas veces, no es tan sencillo como parece. El disco se abre ya con esa clara intención con "In between days". Un tema vitalista con ese teclado alegre. 
THE CURE se mueve muy bien en este terreno más comercial. Este cambio muestra el nivel compositivo de altos vuelos que Robert Smith es capaz de alcanzar. Ya sea en temas más angustiosos y tristes. Como en ver la luz al final de cada túnel. También sus demonios personales parecían haberse disipado, y se encontraba lúcido y chispeante. Que refleja muy bien este disco. Sigue no obstante mostrando algunos temas de su pasado reciente más oscuro. Ahí están "Kyoto song" o "Sinking"(con una larga introducción instrumental). "Blood" trae aires flamencos. Y "The baby screams" es muy aguerrida y rabiosa, con una guitarras bastante potentes y Smith cantando enérgicamente. Pero el tema estrella(en cuanto a repercusión es "Close to me"). Que tiene esas palmas, junto al soniquete del teclado casi infantil. Un álbum de lo mejor para mi de su discografía. Y que fue el salto que necesitaba en el mercado americano. Si eran ya populares, con este "The head on the door", THE CURE pasaron a la liga de los más grandes. Y aún tenían mucho que ofrecer.

jueves, 16 de noviembre de 2017

Series favoritas en 2017

Cuando ya queda poco para despedir otro año. He querido hacer balance de las mejores series que he visto este año. Partiendo de la base de que no me refiero a series estrenadas exclusivamente en este 2017. Sino a las nuevas que he empezado a ver en este año. Por lo tanto será una mezcla de años y géneros. Puede que ya muchos las hayáis visto. Pero quizás al igual que yo, haya gente que incluso algunas clásicas las tenga sin visionar. 

La que mas me ha gustado es sin duda la clásica EXPEDIENTE X. Menudo viaje esta serie. Ya le dediqué un post hace algunas semanas. Sencillamente brutal. Ya voy por la sexta temporada.
Puntuación general: 9/10











Sin duda la mejor serie que he visto en plan comedia desde hace muchos años. Este año se estrenó la segunda temporada. También le dediqué un post.
Puntuación general: 9/10












No esperaba que me gustara mucho esta serie, pero me equivoqué de pleno. Cierto que no es de esas majestuosas. Tirando casi a un culebrón. Pero engancha cosa mala. Este año se estrenó su temporada final, la quinta. Yo anda por la cuarta.
Puntuación general: 7/10








Nadie habla de ella en ningún sitio. Pero para mi una serie muy interesante. Basado en el libro de Philip K Dick. Es un poco lenta, y la trama se desarrolla de forma pausada. Pero llena de buenas actuaciones, buen guión y una puesta en escena brutal. Va por la segunda temporada.
Puntuación general: 7/10








Una de esas miniseries que dieron mucho que hablar. Que narra la historia de odio entre las dos protas que rodaron Que fue de baby Jane. Y que la serie centra su acción es ese rodaje. Muy buena en todos los sentidos.
Puntuación general: 8/10









Una de mis favoritas desde hace años. La comedia política que no para de ganar premios, sobretodo para Julia Louis-Dreyfus. Este año se estrenó su sexta temporada. Sencillamente divertidísima.
Puntuación general: 8/10


Y por último este reciente estreno. Que ahora mismo anda parada a mitad de su primera temporada. Y que se reanudará a principios de año. Ya tiene confirmada la segunda temporada. Muy entretenida. Ciencia ficción para narrar otra aventura de una serie mítica.
Puntuación general: 6.5/10










Y hasta aquí lo más interesante que he visto este año. Quizás se sume alguna antes de que llegue el 2018. Pero eso si sucede ya se queda para otra ocasión. 

miércoles, 15 de noviembre de 2017


UNA VELA PARA EL DIABLO(1973)
Afortunadamente aún hay mucho cine de terror escondido, o por lo menos poco visible, dentro del panorama español de los años 70. Aquel que se denomina Fantaterror. Ya en mi antiguo blog hay varias muestras de el, que dejan constancia del rico periodo que se vivió en España en la fructífera década. Hoy traigo una cinta dentro de aquel género, pero que va más allá diría yo. Acercándose y hasta tocar claramente en una temática poco explorada, el terror desde el punto de vista de la religión. Más concretamente del catolicismo, que es el que siempre ha destacado entre los feligreses patrios. La religión siempre ha sido un tabú, está mal hablar de ella negativamente, pero está claro que también es el mal de muchas guerras etc. Esta UNA VELA PARA EL DIABLO es una joya que esconde el puritanismo que encierra el cristianismo en aquellos años 70. El film fue dirigido por el conocido mundialmente a raíz de su anterior film Pánico en el transiberiano. Me refiero a Eugenio Martín. El director Granadino(aún entre nosotros con 92 años). Fue rodado en sitios como Madrid, Málaga y Cádiz. Para llevar a cabo este film, creó una productora. UNA VELA PARA EL DIABLO nos cuenta como en un pueblo de esos cerrados mentalmente y muy puritanos, viven dos hermanas. Protagonizadas por Aurora Bautista y Esperanza Roy. 
Allí regentan un pequeño hostal donde reciben clientes. Por accidente una trágica muerte sucede. La cual desencadena una serie de asesinatos para ir encubriendo el anterior. Bajo esta premisa, la cinta se mueve entre el giallo italiano. Acentuado como ya comentaba antes bajo el régimen del catolicismo. Donde el puritanismo lleva la voz cantante de esta película. La cabeza pensante de estas dos hermanas es Aurora Bautista(que interpreta a Marta). De mentalidad más cerrada, hasta casi caer en el fanatismo religioso. Esperanza Roy(es Verónica), de una mentalidad más abierta. Aunque subyugada por la tirana de su hermana mayor. Como parte entre medias tenemos al personaje de Laura Barkley, que interpreta Judy Geeson(conocida por su interpretación en la genial película El estrangulador de Rillington Place). La verdad es que su actuación es un poco sosa. Y su personaje algo vacío, que no termina de soltarse y hacerse atractivo. Ella va en busca de su hermana, que le había comentado que estaba hospedada en ese hotelito. 
El film se mueve bien entre esas dos aguas, el terror que es poco explícito tal vez. Y que falla un poco en mostrar algo más de sangre. Pero que por otro lado deja que nuestra mente rellene ese espacio. Y por otro lado muestra muy bien la represión sexual que es el motor de toda la trama. El film al ser concebido para la exportación comercial. Viene con muchos otros títulos en inglés. Por desgracia el metraje fue censurado en muchas partes, aunque si veis la versión inglesa, ahí está todo sin cortes. Donde se muestra la crudeza de algunas de sus secuencias. Un film de obligado visionado para los amantes del terror. Y no digo solo al de antiguo, y que solo disfruta de ese más artesanal. Es un film de esos que hay que ver. Con unas protagonistas que lo bordan. Unas escenas suculentas, un guión bien traído. Junto a un ritmo constante y que no se ancla en paja por el camino.


Puntuación general: 8/10
  

lunes, 13 de noviembre de 2017

KISS "Asylum"

Empezamos la semana con un disco que desde luego no es de lo mejor que grabó este grupo. KISS es una banda al que uno siempre tiene presente(por lo menos yo), y que nunca se cansa de oír. Cualquier jodido día de mierda un disco suyo puede hacer que ese estado de ánimo cambie para mejor. Como decía iniciando este post, "Asylum" (1985) no es de lo mejor de su catálogo. Luego habrá gustos y opiniones de cada uno. En mitad justo de los 80, KISS parecían sentirse muy cómodos dentro del glam metal que arrasaba en listas americanas. Es lo bueno de tener unos excelentes compositores dentro de un grupo. Stanley & Simmons/Simmons & Stanley. Dos cerebros que siempre saben que ofrecer para cada ocasión y estilo. Asylum es blando, eso lo tengo claro. Desde que lo oí por primera vez, el álbum me resultó pegajoso, como ese chicle que se te pega al zapato. La producción era igual de inocente, faltándole  pegada y algo más de cuerpo. Pero reconozco que con el tiempo me he ido acostumbrado a su sonido. Se podría decir que es su disco "rosa". Ese artefacto ideado para llegar a un público no tan versado en eso del rock. Y a su vez, intentar no alejarse demasiado de los que siempre esperan más decibelios. Pero tenía unos temas que podían jugar en esa categoría. Porque "Tears are falling" es ñoña, suena como un motor diesel. Pero que jodios, eso es lo que buscaban. 
Como novedad, encontramos la entrada a la guitarra de Bruce Kulick. Aunque ya había colaborado con la banda desde el disco anterior. Sobra decir que el aspecto estético del grupo en aquel entonces se asemejaba más a unas folklóricas pasadas por el tecnopop, que a una banda de rock. El disco contiene algunas buenas piezas más rockeras. Particularmente siempre me ha gustado mucho dos. Una es la que abre el disco "King of the mountain". Y la otra es "Secretly cruel". 
El grupo en esta ocasión parece sentirse más suelto y cómodo que en el trabajo anterior. Y lo que es más importante, "mas inspirado" compositivamente. Las canciones son más dinámicas, elaboradas y chispeantes. Muestra es el genial y mi tema favorito del disco "Who wants to be lonely". Disco que alegra un día cualquiera, y que pese a ese toque "rosa", me ha ido ganando con los años.

domingo, 12 de noviembre de 2017

ELVIS Y SU CARA B "Anything that's part of you"

Hoy traigo un tema lento para relajar el blog, tras una semana muy intensa y llena de contenido incendiario. Extraído del single "Good luck charm", la cara B de hoy se llama "ANYTHING THAT'S PART OF YOU". La canción fue grabada el 15 de octubre de 1961. Se llevó a cabo en los estudios de RCA en Nashville. La primera vez que apareció en un larga duración, fue en el disco recopilatorio Elvi´s Golden Records vol 3. Aparte de la voz de ELVIS, la canción se centra en el piano y la melodía que sale de el. Junto a unos suaves coros de fondo. Un bonito tema, aunque nada memorable, es la verdad. Aunque ideal para un domingo de relax. 

viernes, 10 de noviembre de 2017

ROBOCOP


    ROBOCOP(1987)

Los 80 estuvieron llenos de cyborgs, androides, sintéticos o autómatas. Era la década de las máquinas, y como tal, el cine sacó partido hasta exprimirlo. Una de las joyas de la corona llegaba en el año 1987. Venía de la mano de un director holandés bastante peculiar. Paul Verhoeven. Este, debe agradecerle a su mujer que rescatara el guión de la papelera(literalmente). Pues cuando cayó en sus manos, Verhoeven lo descartó. Una vez subsanado su error inicial, solo quedaba buscar una productora. Esta fue Orion, quien ya había producido el otro clásico de ciencia ficción con robot al frente, Terminator. Con un presupuesto de escasos 13 millones de dólares, el rodaje se puso en marcha. 
El film es ambientado en Detroit, en un futuro distópico. Aunque para el rodaje muchos sitios al aire libro fueron rodados en Dallas, porque la apariencia de muchos edificios y demás, daban un toque más futurista. Y que se puede apreciar en el film claramente ese entorno. La ciudad ficticia es Delta City. Un sitio decadente, y donde las grandes corporaciones se reparten el pastel. Para hacer de ROBOCOP se cuenta con el actor Peter Weller, un actor joven, pero ya con muchos films a sus espaldas. Incluyendo una producción española. Aquí tenemos algo más que una simple película de acción futurista. Es una bofetada sin anestesia al corrupto mundo en el que ya estábamos sumergidos. Temas como la corrupción política, especulación, el capitalismo. Son puestos al servicio del film para hacer un crítica de la sociedad. El traje de Robocop es llamativo, y que ha pasado a la historia del cine sin lugar a dudas como algo muy reconocible. El diseñador fue Rob Bottin, que le llevó seis meses el hacer el traje idóneo. Y para la peli se construyeron siete. 

A título personal tengo que decir que ROBOCOP está en mi top particular de cine de aquella década. Verla en pantalla grande con apenas nueve años es para no olvidarse de ella. El acabado final del film resulta curioso. Pese a que tiene una buena factura. Y como decía anteriormente el presupuesto tampoco era excesivamente alto. Hay ciertos momentos que parece una serie b en potencia. Como ese tipo que trás caer en ácido, aparece en medio de la carretera con pintas de alguna peli de la Troma. 
Peter Weller para crear su personaje de ROBOCOP, estuvo devorando libros sobre robótica. Adiestrandose  en movimientos que hicieran creíble su actuación. La primera vez que se embutió en el cuerpo metálico, tardó cerca de diez horas. Y aprendió meditación para poder soportarlo. Decía que allí dentro llegaba a estar a 32 grados. Pero si por una escena se recuerda este film, o por lo menos eso creo yo. Es sin duda por la brutal muerte del protagonista. Murphy(así se llamaba en el film), fue acribillado en su primer día de trabajo en su  nueva comisaría. Para tal escena se creó un animatronics. A día de hoy canta un poco verla en pantalla. Pero los que apreciamos ese arte de lo real, sin duda se nos hace la boca agua viendo el diseño y acabado final. 
Estamos ante un de esas escenas que no importa las veces que uno la vea. Sigue impactando y se nos encoge el alma como la primera vez. Hay una versión censurada, pues la escena era aún más brutal. Y tuvieron que meter la tijera ante semejante resultado. El film violentos por momentos, también tenía su parte de humor negro. Que suavizaban un poco lo que veíamos en pantalla. Como compañera de Murphy está la actriz Nancy Allen. Y que parece no pegar mucho cuando fue elegida. Pues era como una delicada flor, y que en películas anteriores solía hacer de chica sexy. Para la nueva aventura, se sometió a entrenamiento. Y se cortó el pelo a exigencias de Verhoeven.  Otra anécdota cachonda corresponde al apartado de lo coches que conducen los policías. Los cuales conducen unos Ford Taurus, y los malos del film se mueven en los 6000-Sux.  Que no era sino una coña para los Pontiac 6000. Ambas marcan tenían una gran rivalidad por aquella época. ROBOCOP fue todo un impacto mediático. Con una recaudación de cerca de 54 millones de dólares. Y que se convertiría en franquicia, y que incluye dos películas más, un remake, serie animada, serie de imagen real, videojuegos y cómics. El film es un golpe en la mesa a la sociedad americana. Un futuro que sigue siendo hoy día una realidad. Una película que sigue gustando a nuevas generaciones. Y que parece cada pocos años revivir de alguna manera. Más cuando se cumple en este 2017, treinta años desde su estreno. 
Puntuación general: 8/10

jueves, 9 de noviembre de 2017

THE JIMMY CASTOR BUNCH "It's just begun"

Sigo presentando discos que voy descubriendo por la red en los últimos tiempos. Hoy le toca el turno al segundo disco de este grupo. Que bajo el nombre de su líder se hacen llamar THE JIMMY CASTOR BUNCH. Este hombre comenzó su carrera en bandas de sonidos vocales (The Teenegers), por dondé también pasó antes que el Frankie Lymon. Tras un primer disco en 1968. Llega este "It´s just begun"(1972). Castor es un músico aguerrido, musculoso y meticuloso. En su adn encontramos los coros del doo woop, el funk más visceral, toques latinos, un poco de rock, soul y algo de jazz. Con todo esto su propuesta es ante todo inconformista. Y con este disco destapa el tarro de las esencias. A modo de obra por así decirlo conceptual, el disco abre con un prólogo y cierra con un epílogo. Entre medias, un puro goce de sonidos variados que nos muestra el gran talento de CASTOR. El tema que abre el disco y da nombre al mismo, es el tema perfecto que define el álbum
La primera cara es una maravilla, donde se centra en los temas más enérgicos. Ahí están "You better be good(or the devil Gon´ Getcha), o la otra famosa pieza del disco "Troglodyte (cave man).
La segunda cara baja en intensidad, pero no en cuanto a calidad. Donde Castor se deja seducir por sonidos más brillantes y de fácil acceso para el oído más común. Ahí está la pieza "My brightest day". Pero por encima de todo, está la magia de un tipo, que ataca, espera, o susurra cuando el tema lo requiere. Que con la ayuda de su saxo cabalga a lomos de un álbum majestuoso. A destacar también la magnífica guitarra de Harry Jensen, junto al bajo de Doug Gibson. 

miércoles, 8 de noviembre de 2017

BRIMSTONE

              BRIMSTONE(2017)

En los últimos años estamos viviendo un pequeño resurgir en el género del western. Pero no desde la forma más tradicional que conocíamos. Y creo que en parte es una buena elección, con vistas a que "espero" alguien se atreva a contar también historias desde esa óptica más clásica. Estamos en una época donde las verdes praderas, las llanuras infinitas, los desiertos más áridos, son mezclados con el terror, el fantástico, el thriller y otros géneros. Dando pié a un ecosistema casi propio. Y lo que es más importante, que llegue al público más joven. Que también interese a los que nos gusta el western veterano y más inmovilista. Muchos son los ejemplos hoy día, desde Bone Tomahawk, La venganza de Jane, Slow West o El valle oscuro. Dentro de este nuevo híbrido encontramos este film de hoy, bajo el título de BRIMSTONE(2017). Coproducción entre Holanda, Gran Bretaña, Suecia, Francia, Alemania y Bélgica. Pero lo que aquí nos presenta su director (Martin Koolhoven) es un viaje al terror desde el fanatismo de un predicador. Donde sus demonios internos, y sus mas bajos instintos, son su excusa para coger lo que quiere bajo el nombre de Dios. La historia nos cuenta como una mujer joven que tiene una hija, está casada con un hombre mayor, el cual también tiene un hijo. 
Como protagonista femenina está Dakota Fanning. Adquiriendo poco a poco papeles más importantes, mientras va creciendo como actriz. Siguiendo con la trama, el pasado de esta mujer del que intenta huir, la persigue cual jinetes del apocalipsis. Este viene con alzacuellos e interpretado por Guy Pearce. Un predicador que parece tener una cuenta pendiente con la protagonista. Una parte novedosa (entre comillas) de contarlo es que no se hace de forma lineal. Pues el director lo propone en cuatro partes. Y no cronológicamente. Todas ellas bajo títulos de la biblia. Bajo los nombres de Revelación, Éxodo, Génesis y Retribución. En vez de hacerlo a modo del flashback que sería algo más natural. Y que creo que acierta al contarlo de esta forma. Y eso que estamos ante un film de más de dos horas. Pero que para nada lastra el resultado final. Ni nos hace caer en momentos de tedio y sopor. 
El film es sórdido, provocador y explícito. Donde la excelente fotografía acompaña cada plano de forma magistral. El film es deudor de un clásico como es La noche del cazador. Y que creo no oculta su referencia. Llevándola varios puntos más allá en provocación, adaptándola a los tiempos que nos toca vivir. En resumidas cuentas, una película bastante interesante. De esas que uno recuerda y deja pozo con el tiempo. Y que su bella factura en todo la puesta en escena, hacen que el conjunto merezca mucho la pena. 

Puntuación general: 7.5/10

lunes, 6 de noviembre de 2017

BLACK NASTY "Black nasty"

Volver a meterme en los sonidos de ébano de sus mejores años, me está sentando tan bien, que me pregunto si es necesario salir de el para escuchar el paupérrimo actual panorama musical. Quizás me compre pintura en spray y me de una manita por todo el cuerpo. Mientras sopeso este pensamiento. Traigo una banda de esas que uno no acaba de entender como es tan poco conocida, o literalmente nadie se enteró de su existencia. BLACK NASTY publicaron solo un disco, una joya atronadora llamada "Talking to the people" (1973). Surgidos en Detroit, su música es un golpe certero de sonidos funk, pero hacia una clara inclinación rockera. Solo hay que oír como arranca el disco, con esta bomba que da nombre al álbum. 
La banda la componen seis miembros. Donde dos llevan las voces. Los temas más acelerados los interpreta Terrance Ellis. Mientras que los suaves arroyos sonoros corren con la voz de Audrey Matthews.
El trabajo es agresivo en todos sus puntos. Ya sea en los temas donde se desatan en el funk y el rock "Nasty soul", "Black nasty booggie" la propia "Talking to the people" o la que cierra el disco "Booger the hooker". Y en la parte más calmada en joyas como "I must be love" y "Rushin´sea". Un álbum que roza el diez en mi escala personal. Sonido poderoso de funk rock visceral, pero cuidado en todos sus detalles. Agresivo y delicado creando un equilibrio brutal.


domingo, 5 de noviembre de 2017

ELVIS Y SU CARA B "A fool such as i"

Un domingo más estamos aquí para rescatar otra pieza más del basto mundo del Rey. Viajamos hoy hasta el 10 de junio de 1958. Fecha en que ELVIS grabó esta canción llamada "A FOOL SUCH AS I". Cara b del single "I need your love tonight". Esta como la que traje la semana pasada, fue grabada mientras hacía el servicio militar, antes de su partida hacia Alemania. El tema fue compuesto por el escritor Bill Trader. Esta canción grabada en el estudio B de RCA en Nashville, a ELVIS lo acompañan Bob More en el bajo, Hank Garland, Chet Atkins y el propio Elvis a las guitarras. D.J. Fontana y Buddy Harman a la batería y el piano de Floyd Cramer. Y en las voces The Jordanaires. Un rhythm and blues como tantos otros hizo. Esa manera de cantar entrecortada, mientras las guitarras se desatan en la parte central de la canción. Una muesca más en su legado. Correcto sin muchos alardes. Pero que bien merece salir de las sombras.

viernes, 3 de noviembre de 2017

KRULL

                 KRULL(1983)


En los años 80 asistimos a un mundo mágico encabezado cinematográficamente hablando por la ciencia ficción. Era una época de sueños, donde las nuevas tecnologías eran aprovechadas  en el cine para crear todo un universo. El cine de terror, la ciencia ficción, la fantasía. Tenían ahora incluso en producciones muy modestas la posibilidad de crear películas que solo unos años atrás les sería casi imposible. Este film es una de aquellas producciones. En este caso no hablamos de una cinta de bajo presupuesto. Sino todo lo contrario, pues se invirtió unos 47 millones de dólares. KRULL no deja de ser una película más donde un hombre debe afrontar su destino. Y mientras llega, el camino es duro y peligroso. El film se rodó en los estudios Pinewood en Inglaterra. Pero también pasó por Lanzarote o Veneto en Italia. El film fue la cabezonería de su guionista (Stanford Sherman), que fué moviendo el guión por muchos estudios. Sherman fue el guionista por ejemplo de la serie de los 60 de Batman. Hasta que la Columbia dió el visto bueno. Tras la cámara se situó Peter Yates (Bullit). Otro requisito consistió por parte de su productor, que todos los actores fueran británicos. Como actor principal cuenta con la cara de Ken Marshall(aunque este era americano). Para mi este hombre tiene en el film nulo carisma. Siempre con ese rostro petrificado. Y sus maneras las encuentro torpes y toscas. 
Por ahí también andaba un joven Liam Neeson. Como chica está Lysette Anthony. Muy atractiva ella, y que posteriormente haría cosas como videos musicales (Depeche Mode). Y otras pelis como Maridos y mujeres (Woody Allen) o Sin pistas(que recomiendo, sobre Sherlock Holmes). Y la trama de que va?........pues como ya comentaba antes, nada que no sea lo normal. Aquí unos alienígenas atacan el planeta Krull. Dos familias enfrentadas, deciden unir sus fuerzas para luchar juntas. El día de la boda de una parte de cada familia, la novia es secuestrada. Y el valeroso novio va en busca de su amada. La cinta navega entre la ciencia ficción y la fantasía. Creando un batiburrillo cósmico que casa bastante bien. 
La producción tiene un buen acabado. Sobretodo una fotografía de exteriores bastante buena. Cuya labor cayó en manos Peter Suschitzky. Para la escena donde caen en un bosque y su pantano. Se usaron grandes cantidades de serrín. Que sembraron sobre una piscina para crear las arenas movedizas. Pero bajo mi punto de vista, hay interiores que están mal construidos. Donde se nota baja calidad en el acabado de los decorados. Incluyendo el malvado ser que está detrás de todo el ataque que sufre nuestros protagonistas. Con un diseño cutre, y que por eso creo yo, su aparición es difuminada por filtros y movimientos al ser filmados. Por lo tanto esa pasta gansa que se llevó la producción solo fue aprovechada a medias. Y más si tenemos en cuenta que no hay grandes actores. El film tiene buen ritmo. Unas buenas escenas que compensan unas actuaciones en general bastante pésimas. El film se estrenó justo cuando lo hacía otros colosos en taquilla(pero por retraso, pues se quería que se estrenara meses antes). Caso de Superman III, El retorno del Jedi, o Octopussy. Con lo que el batacazo fue de órdago.  Y solo pudieron recuperar unos 17 millones. Un film entretenido, que hoy día se disfruta perfectamente. Por muy trasnochado que parezca su tosquedad visual.

Puntuación general: 6/10



jueves, 2 de noviembre de 2017

KURT BAKER "The lost weekend Ep"

Este hombre no puede quedarse quieto mucho tiempo. Cuando no está de gira, está grabando. Y a veces las dos cosas a la vez. KURT BAKER está de vuelta con un nuevo disco. En este caso un Ep llamado "The lost weekend"(2017). Aquí nos presenta una colección de siete temas, rarezas y otras inéditas, que a bien quiere rescatar. Y que se mueven como siempre entre el power pop y el rock más desenfadado. Entre ellas el tema que abre el disco "What's so funny ´bout peace, love and understanding?", versión de un tema que grabó Elvis Costello. Esta la toca junto a el grupo de castellón Los Reactivos. El disco es otra fiesta que KURT BAKER nos regala. Grabado en los Little wicked cool records de Little Steven. Hay otra versión fantástica como es "Bad boy" de Larry Williams. En temas inéditos hay una joya como "Keep away". O esta otra titulada "Girls got money". Un Ep que es solo un paréntesis mientras esperamos nuevo disco. Que a buen seguro, y conociendo a nuestro protagonista, no tardará en llegar.